Wie Sie beginnen, Originalkunst zu sammeln, ohne sich einschüchtern zu lassen

Der Beginn einer Sammlung von Originalkunst erfordert weder Fachwissen noch Reichtum oder Gewissheit.

Das größte Hindernis, das ich bei den meisten neuen Kunstsammlern beobachte, ist schlicht: Angst. Die Angst, die falsche Wahl zu treffen, schlecht dazustehen, nicht zu verstehen, was man kauft, Geld zu verschwenden – vor allem aber die Angst, sich falsch darzustellen.

Kunst ist etwas so grundlegend Persönliches und Intimes, dass es sich beinahe existenziell verheerend anfühlen kann, sie „falsch“ zu verstehen. Das ähnelt stark der Angst, die Künstler selbst am Anfang erleben: derselben Furcht, nicht mit sich im Einklang zu sein. 

Wie also können wir uns durch diese Angst bewegen?

Zunächst muss man einige Dinge verstehen:

Was bedeutet es, Kunst zu sammeln?

Eine stark vom Kunstmarkt geprägte Welt könnte Sie glauben lassen, das Sammeln von Kunst sei nur wenigen vorbehalten: den Reichen, den Berühmten und jenen mit einer formalen Ausbildung in den bildenden Künsten, etwa Kunsthistorikern oder Kuratoren. Es dürfte Sie kaum überraschen, dass ich dieser Haltung entschieden widerspreche, wie ich in meinem Artikel „Was ist ein Kunstsammler?“ darlege.

Wir alle sammeln Dinge, und meist sagen diese Dinge mehr über uns aus als über sich selbst. Sammeln ist ebenso natürlich wie das Schaffen oder Genießen von Kunst. Schon als kleine Kinder sammeln wir Spielzeug, kleine Autos oder Puppen. Ich sammelte lieber Steine und hoffte, eines Tages ein ganzes Museum für meine Sammlung zu besitzen – ohne zu wissen, dass solche Museen längst existierten.

Warum also haben wir gerade bei der bildenden Kunst unsere natürliche Neigung abgetrennt, Dinge besitzen zu wollen, die uns bestimmen oder zu uns sprechen?

Diese Gleichung hat viele Variablen: die Abstraktion der Kunst, Marketing, die Kultur des Kunstmarkts und seine Inszenierung als höchste Errungenschaft, die Sensationalisierung durch Auktionshäuser und die Monetarisierung der historischen Aufzeichnungen der Kunstgeschichte selbst, um nur einige zu nennen.

Wie sollte man sich davon nicht eingeschüchtert fühlen?

Doch hier ist die gute Nachricht:

Sie müssen kein Experte sein

Tatsächlich sind mir jene Menschen besonders lieb, die bei meinen Ausstellungen auf mich zukommen und sagen: „Wissen Sie, ich verstehe überhaupt nichts von Kunst!“ Ich feiere sie, denn für mich verkörpern sie die unmittelbarste Begegnung mit Kunst, auf die ein Künstler hoffen kann – oder hoffen sollte. 

Diese unverfälschte, rohe Erfahrung des Kunstwerks selbst haben wir zu würdigen verlernt. Stellen Sie sich ein Kind vor, das zum ersten Mal Schokolade schmeckt, oder jene vertrauten Videos von Babys, die Zitronen probieren. Sie verziehen sich angewidert und sind zugleich fasziniert. Sie schmecken die Säure und weinen, doch kurz darauf leuchten ihre Gesichter auf und sie wollen mehr – allein weil das Gefühl, das die Zitrone ausgelöst hat, so neu und aufregend war.

Ebenso liebe ich es, diese erste Begegnung mit Kunst zu sehen. Solange ich auch nur einen Funken von Erregung oder Neugier erkenne, betrachte ich meine Arbeit als gelungen.

Und das sollten Sie ebenfalls. 

Beginnen Sie mit dem, was bei Ihnen bleibt

 

Wenn Menschen eine Galerie oder Kunstmesse betreten, lautet ihre erste und natürlichste Frage gewöhnlich: Gefällt mir das?

Je nachdem, woher Sie kommen, welche kulturellen und sozialen Wurzeln Sie haben und wie Ihr persönlicher Geschmack beschaffen ist, wird dies etwas anderes bedeuten. In jedem Fall verrät es Ihnen etwas über Ihre ästhetischen Vorlieben. In meiner Praxis achte ich bewusst darauf, solche Vorlieben nicht als „in den bildenden Künsten ungebildet“ abzutun oder gar herabzusetzen, wie es viele andere tun. Dennoch möchte ich betonen, dass Geschmack selbst sich mit Zeit, Bildung und Erfahrung entwickeln kann und muss.

Doch Geschmack muss dort beginnen, wo Sie stehen. Das ist der entscheidende Punkt. Geschmack sollte ehrlich und authentisch auf den eigenen natürlichen ästhetischen Neigungen aufbauen. Alles andere führt zu einem eher prätentiösen, durch sozialen Druck erzwungenen „erworbenen Geschmack“ – und womöglich genau zu den Gründen, aus denen das Sammeln von Kunst überhaupt beängstigend erscheint.

Wenn Sie Ihrem eigenen aufrichtigen Geschmack folgen, können Sie nicht am falschen Ort beginnen.

Ebenso wichtig ist es, eine Galerie mit offenem Geist zu betreten. Nicht so offen, dass das Gehirn herausfällt, aber offen genug für tiefer geschichtete Fragen wie: „Was verändert dieses Kunstwerk in mir?“ oder „Was verlangt dieses Kunstwerk von mir?“

Diese Schichten betreffen Bedeutung, während es zuvor nur um Form ging. 

Hier können wir beginnen, die Säure der Kunst zu erkunden – etwas, das beängstigend und zugleich aufregend und faszinierend sein kann. Ich habe etwa einen Akt dieser älteren Frau geschaffen, den ich noch immer für eines meiner eindringlichsten Werke halte. Es war außerordentlich zu beobachten, wie Frauen auf dieses Werk reagieren. Manche waren von dem Bild regelrecht abgestoßen, obwohl es in keiner Weise grotesk ist. Es zeigt lediglich eine Frau in ihrem eigenen Körper. Doch plötzlich gewann das Werk ein völlig neues Leben, das ihm die Betrachterinnen selbst gaben. Das Bild gerät mit etwas in Konflikt, verdreht und konfrontiert etwas, das für viele Frauen zutiefst empfindlich ist: das Altern ihres Körpers. Ihn so unverhohlen, schamlos und in voller Farbe vor sich zu sehen, hat bei all diesen Frauen tief sitzende persönliche Gefühle ausgelöst.

 
Warum sollte jemand ein solches Gemälde kaufen – eines, das dem gesamten eigenen Geschmack und der eigenen Ästhetik entgegensteht?
Die Antwort liegt in der Frage selbst: gerade weil es genau das tut. 

Interessanterweise sind die Dinge, die uns stören – und damit meine ich jene, die wirklich eine tiefe Reaktion in uns hervorrufen –, oft ebenso intim und einzigartig wie unser Geschmack, bisweilen sogar noch mehr. Denn andere Menschen stört dasselbe Bild überhaupt nicht.

Daraus entsteht eine ganze neue Reihe von Fragen: Warum reagiere ich so stark darauf?

Indem wir ein anspruchsvolleres Werk erwerben, können wir einen ganzen Prozess der Selbsterkenntnis beginnen, von dem wir nicht einmal wussten, dass wir ihn brauchen.

Ich nehme das keineswegs leicht, und das sollten auch Sie nicht. Es erfordert enormen Mut, überhaupt in solche Tiefen vorzudringen. Es braucht Kraft, sich selbst betrachten und diesen Teil des eigenen Inneren öffnen zu können. Vor allem kann daraus später eine Quelle ganzer Gespräche mit anderen Menschen werden. Befindet sich dieses Werk in Ihrem Zuhause, wird jeder Mensch, den Sie in diesen Raum einladen, darauf reagieren und möglicherweise noch tiefere Gespräche anstoßen. 

 

— Life Withheld, Ölsticks auf Papier, nach dem lebenden Modell gezeichnet von Bogdan Jensen , 2026.

Zumindest war es das, was Kunst – oder manche Formen von Kunst – einst für uns leistete. Ich glaube zutiefst, dass wir dringend genau dorthin zurückkehren müssen.

Kunst als Weg zu tieferen Wahrheiten.

Natürlich kann Kunst auch heiter, eigenwillig oder scherzhaft und keineswegs ernst sein. Das wird bestimmten Menschen entsprechen. Meine Kunst hingegen versucht freizulegen, was uns menschlich macht, und verlangt deshalb einen gewissen Mut, sich auf diesen Weg einzulassen. 

Beginnen Sie also mit dem, was bei Ihnen bleibt. Darin liegt ein wichtiger Schlüssel, sich selbst in tieferen Schichten kennenzulernen. Lernen Sie, zwischen bloßem Schockwert, unmittelbarer Anziehung und wirklicher dauerhafter Resonanz zu unterscheiden. 

Mit großer Wahrscheinlichkeit ist dies eine Verbindung aus Ästhetik und Bedeutung , die Sie in irgendeiner Weise herausfordert, weil sie Sie erweitert, statt Sie nur zu bestätigen. 

 

— Fugue V, Originalpastell auf Papier, live während einer Theateraufführung gezeichnet von Bogdan Jensen, 2026.

Setzen Sie sich ohne Scham ein Budget

Das mag so fremd klingen, dass es beinahe absurd erscheint, doch es ist die Wirklichkeit der meisten Kunstsammler, die kein Unendlichkeitszeichen auf ihrer Kreditkarte tragen.

Wir sparen für ein Auto, eine neue Küche oder einen Urlaub, ohne zweimal darüber nachzudenken. Das sind normale und anerkannte Freuden des Erwachsenseins und der Möglichkeit, solche finanziellen Entscheidungen zu treffen.

Bei Kunst hingegen fühlen sich die meisten Menschen aufgrund dieser kulturell erzeugten Verwirrung nicht berechtigt, ein eigenes Budget allein für Kunst einzuplanen. Warum auch? Kunst wurde zum „nicht notwendigen Gegenstand“ erklärt, und die Welt hat dieser Theorie geglaubt.

Ich würde genau das Gegenteil behaupten. Beinahe alles, wonach wir streben, ist unmittelbar mit Kunst verbunden. Wir sparen für ein schönes Auto, nicht für ein hässliches. Wir wünschen uns einen Urlaub in der Natur, in schöner Umgebung und angenehmen Hotels: eine gestaltete Erfahrung. Wir kaufen Designertaschen oder Kleidung – wiederum Kunst, nur in tragbarer Form. All diese konsumierbaren Formen künstlerischer Gestaltung werden im Kapitalismus nachdrücklich befürwortet und als gesellschaftlich anerkannte Ausgaben bestätigt, die bildende Kunst selbst jedoch nicht. Warum?

Sie ist lediglich einen Schritt weiter als das eben Genannte: der Schritt über bloßes Design hinaus, ein Schritt auf sich selbst zu. Weshalb sollte ausgerechnet dieser Schritt ironischerweise der einzige sein, der es nicht verdient, ebenso ernsthaft in das erwachsene Leben aufgenommen zu werden wie alle anderen?

Und auch dazu gehört ein Budget.

Es ist keine Kleinigkeit zu erkennen, dass Kunst womöglich einen wichtigeren Platz im eigenen Leben verdient, als man bisher angenommen hat. Während Covid haben wir das erlebt. Plötzlich begegneten die Menschen ihren leeren Häusern. Was ein Zuhause hätte sein sollen – ein Raum, der Sicherheit mit Identität verbindet –, offenbarte sich als weitgehend neutraler Ort: einer, der „das Auge nicht stört“, gerade dadurch aber ziemlich fade sein kann.

Die Angst vor der Frage „Was werden die anderen denken?“, die gemeinsam mit der Vorstellung in unsere Häuser eingedrungen ist, das private Zuhause müsse jederzeit vermarktbar, vermietbar und deshalb neutral sein, hat unsere Beziehung zu unseren eigenen Räumen durchtrennt.

Wir sprechen hier nicht von Dekoration. Es handelt sich ganz unmittelbar um eine Erweiterung Ihrer selbst, und auch sie verdient mehr Sorgfalt und Aufmerksamkeit.

Verstehen Sie, weshalb Originalkunst kostet, was sie kostet

— Life & Remains, Ausstellung mit nach lebenden Modellen geschaffenen Ölpastellen von Bogdan Jensen, 2026.

In meinem Artikel „Sollte Kunst teuer sein?“ gehe ich ausführlich auf dieses Thema ein. Für unsere gegenwärtigen Zwecke werde ich jedoch darauf eingehen, was ein Originalkunstwerk – hier konkret ein Gemälde – unter dem Gesichtspunkt der Kosten ist.

Ein Gemälde ist eine Oberfläche mit der größtmöglichen Dichte menschlicher Aufmerksamkeit und Hingabe pro Quadratzentimeter, die überhaupt existieren kann.

Abgesehen von seiner Metaphysik ist Kunst schlicht teuer in der Herstellung. Anders als andere Kunstformen hat die bildende Kunst den unglücklichen Umstand, dass bereits ihre Ausübung erhebliche finanzielle Mittel verlangt. Ein Pianist kann dieselben Tonleitern wiederholen und weiterüben; ein Maler dagegen hat große Mengen Farbe und Leinwand verbraucht, nur um an einen Punkt zu gelangen, den man als reifere Kunst bezeichnen kann.

Diese verborgenen Kosten werden in der bildenden Kunst beinahe nie berücksichtigt, obwohl wir dies in allen anderen Berufen tun. Wir verstehen, wie teuer es sein kann, Arzt, Jurist oder Architekt zu werden, erkennen aber womöglich nicht instinktiv die wirklichen Kosten, Maler – oder erst recht Bildhauer – zu werden.

Ein Gemälde mag daher „nur aus wenigen Linien“ bestehen. Doch ich versichere Ihnen: Diese Linien tragen die Kosten jahrelanger anderer Linien, die noch nicht ganz richtig waren – Kosten, die stets der Künstler allein trägt.

Wenn Sie ein Originalkunstwerk erwerben, kaufen Sie nicht nur ein Gemälde oder ein Werk. Sie treten in eine ganze Praxis ein: in ihre Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Anders als in den meisten Berufen fließen die Einnahmen von Künstlern zudem beinahe vollständig und ausschließlich zurück in das Schaffen von Kunst. Nicht in teure Autos, Häuser oder Urlaube – von den wenigen Ausnahmen abgesehen, die diese Regel bestätigen. Das Einkommen fließt unmittelbar in weitere Praxis, weitere Werke, weitere Ausstellungen und letztlich in mehr Kultur.

Die Erlaubnis, zu beginnen

— Soft Glow, Pastell auf Papier, nach dem lebenden Modell gezeichnet von Bogdan Jensen, 2025.

Nach Jahren der Begegnung mit Kunstsammlern und Nichtsammlern erkannte ich, dass es einer ausführlichen Begründung für die Erlaubnis zur Kunst bedarf. Das war die Motivation für diesen Artikel.

Nehmen Sie sich also diesen Raum. Seien Sie mutig. Haben Sie den Mut, sich durch bildende Kunst auszudrücken – besonders in einer Welt, in der Neutralität so häufig vorgeschrieben wird.

Planen Sie diese Investition in sich selbst ein: in die Entwicklung des eigenen Geschmacks, die eigene Selbsterkenntnis und die Atmosphäre des Lebens, das Sie aufbauen.

Der Beginn einer Kunstsammlung verlangt keine Gewissheit. Er verlangt Aufmerksamkeit. Beginnen Sie mit dem Werk, das bei Ihnen bleibt, mit dem Bild, das Ihnen weiterhin eine Frage stellt, mit dem Stück, das den eigenen Raum lebendiger werden lässt. Fachwissen kann später kommen. Der erste Schritt ist viel einfacher und viel mutiger: Erlauben Sie sich, dass es Ihnen etwas bedeutet.