Originalkunstwerk oder Fine-Art-Print: Was kaufen Sie wirklich?

Die Entscheidung zwischen einem Originalkunstwerk und einem Fine-Art-Print kann komplizierter erscheinen, als sie sein müsste.

Um den Druck zu nehmen, möchte ich zunächst versichern: Keines von beiden ist besser oder schlechter. Sie sind schlicht sehr verschieden.

Das eine bietet die unmittelbare physische Präsenz eines einzigartigen Werks, das von der Hand des Künstlers geschaffen wurde. Das andere eröffnet den Zugang zu demselben Bild, derselben Atmosphäre oder demselben Augenblick durch eine sorgfältig hergestellte Reproduktion.

Vielleicht lautet die Frage daher nicht nur: Was kann ich mir leisten?

Die tiefere Frage lautet: Welche Art von Beziehung möchte ich zu diesem Kunstwerk haben?

Betrachten wir die Unterschiede.

Was ist ein Originalkunstwerk?

Wenn ich bei Authistical Art von einem Originalkunstwerk spreche, meine ich ein Originalgemälde oder eine Originalzeichnung: ein einzigartiges Werk, das unmittelbar von meinen Händen im Studio geschaffen wurde.

Es ist die erste und einzige Fassung dieser konkreten Komposition. Es trägt die physischen Entscheidungen, das Zögern, die Schichten, den Druck, die Präsenz und die Wahrhaftigkeit des Augenblicks, in dem es entstand. Seinem Wesen nach lässt es sich niemals exakt wiederholen.

Ein Originalkunstwerk ist nicht nur ein Bild. Es ist eine Aufzeichnung von Zeit, Aufmerksamkeit und Material.

Selbst wenn ein Werk still, klein oder bescheiden im Format ist, enthält es die ganze Wirklichkeit dessen, dass es einmal, an einem bestimmten Ort, von einem bestimmten Menschen und unter bestimmten Bedingungen geschaffen wurde.

Das lässt sich nicht reproduzieren.

 

Was ist ein Fine-Art-Print?

Das Wort „Print“ kann in der Kunst Unterschiedliches bedeuten.

Es gibt Originalgrafik wie Radierungen, Lithografien, Holzschnitte oder Siebdrucke, bei denen das Druckverfahren selbst das Kunstwerk hervorbringt.

Darum geht es hier nicht.

Bei Authistical Art sind meine Fine-Art-Prints alterungsbeständige Giclée-Reproduktionen meiner Originalgemälde und -zeichnungen. Sie sollen die Originale nicht ersetzen und geben nicht vor, dasselbe zu sein. Sie ermöglichen einen leichteren Zugang zu einem Kunstwerk und bewahren dabei so viel von seiner ursprünglichen Atmosphäre wie möglich.

Wer einen Fine-Art-Print kauft, erwirbt nicht bloß ein Bild zur Wanddekoration. Man tritt in die Praxis eines Künstlers ein: in seine Art zu sehen, seine Deutung der Welt, sein Verständnis von Schönheit, seine Aufmerksamkeit und die Verdichtung seiner künstlerischen Arbeit.

Die Bezeichnung „Fine-Art-Print in Museumsqualität“ verweist auf die Qualität der Materialien und Verfahren, mit denen diese Reproduktion hergestellt wird. 

Nicht jeder Print kann als „Museumsqualität“ gelten, denn solche Prints sind kleine Kunstwerke eigenen Rechts. Die Materialien sind alterungsbeständig – das heißt, bei sachgerechter Pflege überdauern sie Generationen, ohne an Farbe zu verlieren – und kommen ihren Originalen mit den heutigen technischen Möglichkeiten mechanisch so nahe wie möglich.

Ziel ist es, sich dem Originalkunstwerk innerhalb der Grenzen der Reproduktionstechnik so weit wie möglich anzunähern.

Der Unterschied in der Seltenheit

Ein Originalkunstwerk ist per Definition ein Unikat.

Doch dabei geht es nicht nur um Seltenheit im marktwirtschaftlichen Sinn. Es geht auch um die Zeit selbst.

Ein Originalkunstwerk ist die physische Aufzeichnung der künstlerischen Praxis zum Zeitpunkt seiner Entstehung. Es hält das technische Können, den emotionalen Umfang, die visuellen Fragen und vielleicht sogar die historische Atmosphäre dieses Augenblicks fest.

Würde ein Künstler für immer nur ein einziges Gemälde malen, entginge uns etwas Wesentliches.

Wir sähen nicht, was ihn wann bewegte. Wir könnten nicht erkennen, welche Fragen zu welcher Schaffensphase gehörten. Wir sähen nicht, wie ein Werkkomplex in einen anderen überging oder wie ein emotionales Klima dem nächsten Platz machte.

Jedes Originalkunstwerk ist ein Zeitstempel auf dem Weg des Künstlers. Es erzählt etwas über dessen geistigen, seelischen und emotionalen Aufenthaltsort in einem bestimmten Augenblick.

Ohne dies könnte ein Künstler zum bloßen Hersteller von Objekten werden. Das Können wäre vielleicht noch vorhanden, doch die tiefere Aufzeichnung von Veränderung, Aufmerksamkeit und Existenz fehlte – die Kunst selbst.

Eine Fine-Art-Reproduktion ist dagegen nicht auf dieselbe Weise selten. Sie kann limitiert, signiert, nummeriert oder sorgfältig hergestellt sein, doch sie trägt nicht dasselbe einmalige materielle Ereignis in sich.

Ihr Wert liegt anderswo: im Zugang, im Teilen und darin, mehr Menschen das Leben mit einem Bild zu ermöglichen, das sonst nur einem einzigen Menschen gehören könnte.

 

Der Unterschied in der materiellen Präsenz

Über unsere heutigen technischen Möglichkeiten ließe sich viel sagen.

Mein bevorzugtes und einziges Verfahren für meine eigenen Fine-Art-Prints ist der Giclée-Druck. Dabei werden pigmentbasierte Tinten mit großer Präzision auf hochwertiges alterungsbeständiges Papier aufgebracht. Tonale Tiefe und Feinheit von Originalwerken lassen sich damit auf bemerkenswerte Weise wiedergeben.

Dennoch muss man vorsichtig und vor allem ehrlich sein.

Mit Bildbearbeitung und Drucktechnik kann ein Print mühelos „besser“ werden als das Original selbst. Hier etwas mehr Kontrast, dort etwas Schärfe, eine Veränderung der gesamten Farbtemperatur – all das verbessert ein digitales Bild in kürzester Zeit.

Doch um welchen Preis?

Gerade in einer Welt, die von online verbreiteten Kunstbildern übersättigt ist, deren Intensität häufig weit über das physisch mit Farbe Erreichbare hinausgesteigert wird, besteht die reale Gefahr, das Originalkunstwerk zu überstrahlen.

Auf den ersten Blick mag der Unterschied gering erscheinen; in der Wirklichkeit kann er dramatisch sein.

Eine Veränderung von Ton oder Intensität geschieht am Computer mit einem Klick. In einem wirklichen Gemälde kann derselbe Übergang einen Künstler Jahre kosten – psychologisch ebenso wie technisch im Umgang mit Öl, Acryl, Pastell oder Pigment.

Eine solche, scheinbar geringe redaktionelle Entscheidung könnte deshalb die Wahrhaftigkeit unterbrechen, die eine künstlerische Praxis braucht.
Umgekehrt würde sie auch die Originalwerke untergraben und jene einzigartige historische Aufzeichnung durch etwas verzerren, das vielleicht „hübscher“, aber zutiefst ungenau ist.

 
Um dieses Dilemma zu lösen, habe ich für mich und meine Praxis zwei Regeln aufgestellt: 

        Ich bearbeite Bilder niemals übermäßig, um sie „mehr“ erscheinen zu lassen als die Originale.

        Ich drucke eine Reproduktion niemals größer als das Originalkunstwerk.

So kann ich innerhalb der technischen Grenzen gewährleisten, dass meine Fine-Art-Prints den Originalen so nahe wie möglich bleiben. Ziel ist nicht, das Original zu verbessern.

Ziel ist, mehr Menschen das Kunstwerk aus nächster Nähe und so wirklichkeitsgetreu wie möglich erfahren zu lassen.

 

Warum Originalgemälde weiterhin von Bedeutung sind

So beeindruckend die technischen Fortschritte auch sind: Für Originalkunstwerke muss weiterhin eingetreten werden.

Unser Gehirn nimmt Tiefe wahr, wenn auch nur unbewusst. Ein Print ist zunächst eine flache Oberfläche. Ein Originalgemälde kann seine eigene Oberfläche dagegen noch überschreiten.

Lasuren, Schichtungen, Überlagerungen und Texturen besitzen etwas, das uns auf eine Weise bewegen und erregen kann, die eine Reproduktion nicht vollständig erreicht.

Wenn Pigment organisch, mit großer Variabilität und durch menschliche Entscheidungen auf eine Oberfläche aufgetragen wird, beginnt ein Werk lebendig zu wirken. Die Gleichförmigkeit mechanisch aufgebrachter Tinte kann dies nicht vollständig nachbilden.

Da die Richtung des Auftrags zum Kunstwerk selbst gehört, wird Licht von einem Originalgemälde anders reflektiert. Fast wie die Prosodie der Sprache besitzt die Oberfläche Rhythmus, Betonung, Sanftheit und Unterbrechung.

Ich beobachte das häufig an meinen eigenen Gemälden. Wenn Sonne oder Tageslicht vom Morgen bis zum Abend durch einen Raum wandert, bewegen und verändern sich die Bilder mit ihm.

Ihre Tiefe ist niemals festgelegt.

Ihre Leuchtkraft ist niemals ganz dieselbe.

Solche Freuden konnten Druckmaschinen bisher nicht nachbilden.

 

Der Unterschied im Preis

In meinem Artikel „Sollte Kunst teuer sein?“ erläutere ich einige Faktoren, die in die Preisbildung von Originalkunst einfließen: Lebenshaltungskosten, Ausbildung, Zeit, Material, Produktionskosten und die Bedingungen, die ein Künstler braucht, um weiterarbeiten zu können.

Wie bei allem in einem freien Markt versuche ich, ein Gleichgewicht zwischen Erschwinglichkeit und Überleben zu finden.

Es muss möglich bleiben, Kunst zu schaffen – besonders angesichts von Behinderung. Doch ebenso muss es möglich bleiben, sie zu erwerben.

Das gilt auch für die Preisgestaltung meiner Fine-Art-Prints.

Trotz ihrer höchstmöglichen Qualität bemühe ich mich dauerhaft, sie so erschwinglich zu halten, wie es vernünftigerweise möglich ist. Ich möchte so vielen Menschen wie möglich einen Zugang zu meiner Praxis eröffnen. (Mehr dazu unter Was ist ein Giclée-Print? Ein Leitfaden zur Qualität von Fine-Art-Prints)

Kunst soll geteilt, genossen und gelebt werden.

Die meisten Künstler, die ich kenne, würden liebend gern weder Nahrung noch Miete, Material oder Zeit zu benötigen und ihre Kunst einfach frei mit allen zu teilen. Denn genau wie Sie sind auch wir Liebhaber der Kunst – sogar unserer eigenen.

Ein großes Kunstwerk steht niemals vollständig dem Ego des Künstlers zu. Es ist dazu bestimmt, gemeinsam geteilt und gefeiert zu werden.

Wir schaffen Augenblicke – oder genauer gesagt: Augenblicke werden durch unsgeschaffen. Unsere Aufgabe ist es dann, andere einzuladen, diesen Augenblick mit uns zu teilen.

Aus diesem Grund können Prints einen schönen Mittelweg bilden.

Sie tragen die Praxis des Künstlers, sodass weitere Werke entstehen können. Zugleich geben sie dem Sammler eine Form des Eigentums an diesem geteilten Augenblick.

Etwas, woran man sich halten kann.

Etwas, mit dem man leben kann.

Etwas, das ein Gespräch auslöst – nach außen mit anderen oder nach innen mit sich selbst.

Kunst soll Fragen stellen. Ob Original oder Print: Die Frage kann dieselbe bleiben.

 

Wofür sollten Sie sich entscheiden?

Die Antwort ist vielleicht weniger offensichtlich, als es scheint.

Natürlich ist der Preis häufig ein wesentlicher Faktor. Aber sollte er der einzige sein?

Kulturell sind wir an einem merkwürdigen Punkt angelangt, an dem Künstler oft als Letzte bezahlt werden. Bei beinahe allem anderen setzen wir einen finanziellen Aufwand voraus, während Kunst noch immer behandelt wird, als sei sie nicht wesentlich.

Ein Smartphone kann mehr kosten als viele Originalkunstwerke und hält mit etwas Glück doch nur wenige Jahre.

Ein Kunstwerk hingegen, das Sie wirklich erreicht, kann über Jahrzehnte Freude, Aufmerksamkeit und Fragen hervorbringen.

Das bedeutet nicht, dass Kunst nur als finanzielle Anlage betrachtet werden sollte. Bei dieser Vorstellung wäre ich vorsichtig. Doch ein Kunstwerk kann zu einer langfristigen Investition in Aufmerksamkeit, Erinnerung, persönliche und ästhetische Entwicklung sowie in das eigene Selbstverständnis werden.

Ein weiterer Punkt, den viele neue Sammler zunächst nicht bedenken: Häufig lassen sich Ratenzahlungen vereinbaren. Wenn ein bestimmtes Werk jemanden wirklich bewegt, werden die meisten Künstler versuchen, einen Weg zu finden, den Erwerb möglich zu machen.

Wenn also die Werte übereinstimmen und die finanzielle Belastung gemildert werden kann, weshalb sollte man dann überhaupt einen Print kaufen?

Weil das Sammeln von Kunst selbst ein Weg ist.

Ich bin vom Kunstschaffen ebenso fasziniert wie vom Sammeln und davon, zu beobachten, wie andere Kunst sammeln. Es ist eine zutiefst intime und persönliche Erfahrung.

Der Grund, weshalb wir ohne Weiteres Tausende für ein Telefon, eine Tasche oder ein Gerät ausgeben, beim Kauf selbst eines kleinen Prints aber zögern, liegt vielleicht darin, dass diese anderen Gegenstände unsere Identität gewöhnlich nicht infrage stellen.

Kunst tut es.

Ein Kunstwerk sagt etwas über den Künstler aus, aber ebenso etwas über den Sammler.

Es ist die Erhebung von „Ich trage diese Marke“ zu „Ich lebe mit diesem Bild, weil es mich herausfordert, tröstet, beunruhigt oder etwas widerspiegelt, das ich nicht ganz aussprechen kann.“

Kunst ist wichtig.

Dieser Weg sollte nicht leichtfertig beschritten werden.

Ein Originalkunstwerk kann deshalb zu einer wirklichen Investition werden – nicht unbedingt im finanziellen Sinn, sondern in die eigene persönliche und ästhetische Entwicklung, Identität und das eigene Selbstverständnis.

Nehmen Sie sich also Zeit.

Beginnen Sie mit einem Print, falls sich das richtig anfühlt. Leben Sie mit dem Bild. Achten Sie darauf, ob es Ihnen weiterhin eine Frage stellt. Beobachten Sie, ob Sie mit der Zeit immer wieder zu ihm zurückkehren.

Und investieren Sie in ein Originalkunstwerk, sobald Sie dazu bereit sind.

Auf diese Weise werden Sie Ihre Entscheidung mit geringerer Wahrscheinlichkeit bereuen. Stattdessen können Sie etwas gewinnen, das Ihnen über Jahre, vielleicht Jahrzehnte oder sogar Generationen hinweg Aufmerksamkeit, Nähe und Selbstbetrachtung schenkt.

Zu diesem Zweck habe ich außerdem „Wie man ohne Einschüchterung mit dem Sammeln von Originalkunst beginnt“ geschrieben.”