Hat der Besitz von Kunst in einer digitalen Kultur noch Bedeutung?
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Wir sind heute von kunstähnlichen Erfahrungen übersättigt – von eigenwilligen Cafés über soziale Medien bis hin zur KI –, die uns alle kostenlose Kunst versprechen. Doch halten sie dieses Versprechen? Und liegt im Besitz von Kunst noch immer etwas Besonderes?
Ich begann Kunst zu sammeln, sobald ich mir mein erstes Originalgemälde leisten konnte, und bin bis heute davon besessen. Seit zehn Jahren besitze ich dieses Werk, und noch immer ist es Teil meines Zuhauses und meiner Identität. Es sagt etwas über mich und über den Augenblick aus, in dem ich es mir leisten konnte. Vor allem aber habe ich mich nie daran sattgesehen. Nicht ein einziges Mal dachte ich: Das gibt mir nichts mehr; ich sollte mir etwas anderes suchen – vielleicht sogar eine andere Farbe? Dieses Gemälde besitzt so viele Schichten, dass ich selbst nach zehn Jahren des Betrachtens immer wieder eine Ecke oder Einzelheit entdecke, die mir zuvor entgangen sein könnte. Dasselbe gilt für meine gesamte Sammlung.
Ein Gemälde kann nicht bloß ein Fenster zu etwas sein, sondern vielmehr ein Fenster durch jemandanderen. Ich sehe etwas, das der Künstler gesehen hat – so, wie er es in jenem Augenblick oder in einer Folge von Augenblicken sah –, ausgedrückt auf genau jene Weise, die möglich war, oder bewusst nicht ausgedrückt.
Ölgemälde etwa wirken in ihrer Schichtung und darin, wie das Licht durch diese Schichten wandert, beinahe lebendig. Ich werde in eine multisensorische Erfahrung hineingezogen, die ein flaches Bild – und erst recht ein digitales – nicht nachzubilden vermag. Hinzu kommt die Verzerrung des Maßstabs. Die meisten Menschen, mich eingeschlossen, kennen die tatsächliche Größe berühmter Originale gar nicht. Im Museum kann deshalb sogar Enttäuschung aufkommen, wenn man erkennt, dass die „Mona Lisa“ oder „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“ keineswegs so groß sind, wie das Marketing vermuten ließ. In den sozialen Medien wird diese räumliche Verzerrung noch weiter getrieben: Arbeiten aus winzigen Skizzenbüchern können monumental erscheinen, während andere Werke in Maßstäben präsentiert werden, die sie physisch niemals tragen könnten.
Eine solche Verzerrung mag unwichtig erscheinen. Doch vielen ist nicht bewusst, dass bestimmte Pinselstriche in größeren Formaten körperlich gar nicht möglich sind. Unsere maximale Freiheit des künstlerischen Ausdrucks besitzt eine natürliche Grenze. Man kann es mit dem Gesetz des abnehmenden Ertrags vergleichen: Je größer die Leinwand, desto mehr lässt sich ausdrücken – bis zu einem Punkt, von dem an diese Möglichkeit wieder abnimmt.
Ich würde jeden dazu auffordern, von Pinterest oder Instagram auf die Website eines seriösen Kunsthändlers, einer Galerie oder eines wirklichen Künstlers zu wechseln. Die Unterschiede sind frappierend: in Qualität und Kontrast, darin, was sich in einem bestimmten Format überhaupt erreichen lässt, und zu welchem Preis. Doch diese Verzerrungen sind inzwischen so tief in unser Normalitätsempfinden eingesickert, dass mich auf Kunstmessen Menschen fragten, ob ich „dieses Original auch in kleiner“ hätte – oder größer, denn ebenso wenig verstanden sie, dass das Format ebenso untrennbar zum Kunstwerk gehört wie das Bild selbst. Die Arbeit mit lebenden Modellen und ihrem begrenzten Zeitrahmen setzt dem Möglichen enorme Grenzen: hinsichtlich Format, Material und dessen, was überhaupt entstehen kann.
Letztlich ist es genau diese Erfahrung von Kunst, die Künstler teilen und verkaufen wollen. Dies wird zunehmend schwieriger, weil alles durch eine digitale Linse verzerrt und falsch übersetzt wird, die fade, „schwerelos“ und in ihren Dimensionen entstellt ist.
Um dem entgegenzuwirken, bearbeiten Künstler ihre Werke digital und erhöhen Kontrast und Sättigung – besonders in sozialen Medien, deren Logik dies beinahe verlangt. Dadurch gerät jedes natürliche Verhältnis zu Farbe, Tonwert und letztlich zur Bedeutung des Werks weiter aus dem Lot.
Ich habe Ausstellungen erlebt, in denen die Künstler auch Prints verkauften und diese „besser“ aussahen als das Original, weil Kontrast und Sättigung nachträglich verstärkt worden waren – etwas, das sich beim wirklichen Malen nicht mit zwei Klicks erledigen lässt.
Denn um diese Eigenschaften in einem tatsächlichen Gemälde zu steigern, muss man ganze psychologische Schwellen überschreiten. Solche Veränderungen sind dauerhaft und verlangen daher äußerst sorgfältige Entscheidungen. Geht man zu weit, ist es schlicht zu viel; in vielen Fällen könnte man das gesamte Gemälde ebenso gut wegwerfen. Vorsicht ist deshalb eine eingebaute Funktion jeder physischen Malerei, und diese Vorsicht trägt zur Spannung des Gemäldes selbst bei. Sie wird Teil des Dialogs, nicht bloß ein visueller Reiz, der die Netzhaut für eine zusätzliche Millisekunde überfüttert. Sie ist Teil des inneren Ringens des Künstlers, der verzweifelt versucht, zwischen all diesen Dimensionen ein Gleichgewicht zu finden.
All dies ist im Online-Diskurs inzwischen auf einen äußerst linearen „Vergleich“ reduziert worden – einen Diskurs, der zudem stärker von Bots als von Menschen überfüllt ist. Und obendrein findet er innerhalb von Sekunden statt. Das flüchtige Übergehen von Kunstwerken, die mit starkem Kontrast und hoher Sättigung unsere Aufmerksamkeit erzwingen müssen, verblasst neben der unmittelbaren Erfahrung von Kunst. Besitzt man ein Werk, streift der Blick nicht nur darüber hinweg: Es wird über Jahre zu einem Gegenstand der Selbstbefragung. Man entwickelt eine ganze Beziehung zu seinen Schichten, Winkeln und Haltungen. Tiefe kann daher nicht auf einen Blick entstehen; sie braucht ihre Zeit.
Eine Zeit, die in den sozialen Medien vollständig abgelaufen zu sein scheint, während wir immer schneller von einem Reel zum nächsten eilen.
Zumindest könnte man meinen, ein Problem sei gelöst: die Verbreitung von Kunst. Doch ist sie das wirklich? Ist die Verteilung winziger Vorschaubilder dasselbe wie die Verbreitung wirklicher Kunst? Ich behaupte: nein.
Vor allem achten wir nicht darauf, was wir dabei verlieren: die Erfahrung der Kunst selbst. Zu dieser Erfahrung gehört auch, nach Kunst zu suchen, statt sich von Algorithmen immer mehr vom Gleichen vorsetzen zu lassen.
Darum ist der Besitz von Kunst von Bedeutung: Ein wirkliches Kunstwerk ist nicht bloß ein Bild, sondern eine fortdauernde, wechselseitige physische Beziehung zum Sehen, zum Maßstab, zur Arbeit und zur Präsenz eines anderen Menschen.
