Œuvre originale ou tirage d’art : qu’achetez-vous réellement ?

Choisir entre une œuvre originale et un tirage d’art peut sembler plus compliqué qu’il ne le devrait.

Pour apaiser la pression, laissez-moi vous assurer que ni l’un ni l’autre n’est meilleur ou pire. Ils sont simplement très différents.

L’une offre la présence directe et physique d’une œuvre singulière faite de la main de l’artiste. L’autre offre l’accès à la même image, atmosphère ou moment grâce à une reproduction soigneusement réalisée.

Alors la question n’est peut-être pas seulement : Lequel puis-je me permettre ?

La question plus profonde est : Quel genre de relation est-ce que je veux avoir avec cette œuvre d’art ?

Examinons les différences.

Qu’est-ce qu’une œuvre originale ?

Chez Authistical Art, quand je parle d’une œuvre originale, je parle d’une peinture ou d’un dessin original : une œuvre unique réalisée directement de mes mains dans l’atelier.

C’est la première et unique version de cette composition spécifique. Elle porte les décisions physiques, les hésitations, les couches, la pression, la présence et l’honnêteté du moment où elle a été créée. Par nature, elle ne peut être répétée exactement de la même manière.

Une œuvre originale n’est pas seulement une image. C’est un enregistrement de temps, d’attention et de matière.

Même lorsqu’une œuvre est discrète, petite ou de taille modeste, elle contient toujours la pleine réalité d’avoir été réalisée une fois, en un seul lieu, par une seule personne, dans des conditions spécifiques.

Cela ne peut pas être reproduit.

 

Qu’est-ce qu’un tirage d’art ?

Le mot « impression » peut signifier différentes choses en art.

Il existe des estampes originales, telles que les gravures, les lithographies, les gravures sur bois ou les sérigraphies, où le processus de gravure lui-même crée l’œuvre d’art.

Ce n’est pas ce que j’entends ici.

Chez Authistical Art, mes tirages d’art sont des reproductions giclée de conservation de mes peintures et dessins originaux. Elles ne sont pas destinées à remplacer les originaux, et elles ne prétendent pas être la même chose. Elles sont un moyen de rendre une œuvre d’art plus accessible tout en préservant autant que possible l’atmosphère originale.

Lorsqu’on achète un tirage d’art, on n’achète pas seulement une image pour décorer un mur. On adhère à la pratique d’un artiste : sa vision, son interprétation du monde, sa compréhension de la beauté, son attention et l’aboutissement de son effort artistique.

Un tirage d’art de qualité muséale indique la qualité des matériaux et des procédés utilisés pour cette reproduction.

Tous les tirages ne peuvent pas être qualifiés de « qualité muséale », car chacun constitue en lui-même un objet d’art. Les matériaux sont de conservation (ce qui signifie qu’ils durent des générations s’ils sont bien entretenus, sans dégradation de couleur) et ces reproductions se rapprochent autant que possible des œuvres originales correspondantes avec la technologie dont nous disposons aujourd’hui.

L’objectif est de se rapprocher le plus possible de l’œuvre originale dans les limites de la technologie de reproduction.

La différence en matière de rareté

Une œuvre originale est, par définition, unique en son genre.

Mais il ne s’agit pas seulement de rareté au sens commercial. Il s’agit aussi du temps lui-même.

Une œuvre originale est un témoignage physique de la pratique de l’artiste au moment de sa création. Elle enregistre la capacité technique de l’artiste, son étendue émotionnelle, ses préoccupations visuelles et peut-être même l’atmosphère historique de ce moment.

Si un artiste ne peignait qu’une seule peinture pour toujours, il nous manquerait quelque chose d’essentiel.

Nous ne verrions pas ce qui l’a ému, et quand. Nous ne verrions pas quelle période appartenait à quelles questions. Nous ne verrions pas comment un ensemble d’œuvres a évolué vers un autre, ou comment un climat émotionnel a cédé la place au suivant.

Chaque œuvre originale est un repère temporel dans le parcours de l’artiste. Chacune nous dit quelque chose sur l’état mental, spirituel et émotionnel de cet artiste à un moment donné.

Sans cela, un artiste pourrait devenir un simple producteur d’objets. L’habileté pourrait toujours être présente, mais le témoignage plus profond du changement, de l’attention et de l’existence manquerait, l’art lui-même.

Une reproduction d’art, en revanche, n’est pas rare de la même manière. Elle peut être limitée, signée, numérotée ou soigneusement produite, mais elle ne porte pas le même événement matériel singulier.

Sa valeur réside ailleurs : dans l’accès, le partage, et en permettant à plus de personnes de vivre avec une image qui autrement n’appartiendrait qu’à une seule personne.

 

La différence de présence matérielle

Il faut dire beaucoup de choses sur nos capacités techniques actuelles.

Ma méthode préférée, et la seule méthode que j’utilise pour mes propres tirages d’art est l’impression giclée. Dans ce processus, les encres pigmentaires sont appliquées avec une grande précision sur un papier de conservation de haute qualité. Elle peut imiter magnifiquement la profondeur tonale et la subtilité des œuvres originales.

Il faut être prudent, cependant, et surtout honnête.

Avec les outils d’édition et les techniques d’impression, un tirage peut facilement devenir « meilleure » que l’original. Un peu plus de contraste ici, un peu de netteté là, un changement de température générale – tout cela peut améliorer très rapidement l’image numérique.

Mais à quel prix ?

Surtout dans un monde saturé d’images d’art en ligne, dont beaucoup sont intensifiées au-delà de ce que la peinture physique peut jamais atteindre, il y a un réel danger d’éclipser l’œuvre originale.

La différence peut sembler subtile à première vue, mais dans la vie réelle, elle peut être dramatique.

Un changement de ton ou d’intensité peut être effectué en un clic sur un ordinateur. Dans une peinture réelle, cette même transition pourrait prendre des années à un artiste pour être traitée, tant psychologiquement que techniquement avec de l’huile, de l’acrylique, du pastel ou des pigments.

Ce choix d’édition subtile pourrait donc perturber l’authenticité nécessaire à la pratique artistique.
Inversement, cela nuirait également aux œuvres originales, et fausserait cet enregistrement unique de l’histoire avec quelque chose qui pourrait être « plus joli » mais très inexact.

 
Pour résoudre ce dilemme, je me suis fixé deux règles pour moi-même et ma pratique :

        Je ne surédite jamais les images pour qu’elles paraissent « plus » que les originaux.

        Je n’imprime jamais une reproduction à une taille supérieure à celle de l’œuvre originale.

De cette manière, dans les limites de la technologie, je peux m’assurer que mes tirages d’art restent aussi fidèles que possible aux originaux. L’objectif n’est pas d’améliorer l’original.

L’objectif est de permettre à un plus grand nombre de personnes de découvrir l’œuvre d’art de près et le plus réalistement possible.

 

Pourquoi les peintures originales comptent toujours

Aussi incroyables que soient les avancées techniques, les œuvres originales ont toujours leur importance.

Notre cerveau perçoit la profondeur, même inconsciemment. Une impression est, à ce stade, une surface plane. Une peinture originale, cependant, peut encore transcender sa propre surface.

Il y a quelque chose dans les glacis, les superpositions, les chevauchements et la texture qui peut nous exciter et nous émouvoir d’une manière que la reproduction ne peut pas entièrement atteindre.

Il y a quelque chose dans l’application organique du pigment sur une surface, avec une grande variabilité et une décision humaine, qui donne vie à l’œuvre. L’uniformité de l’encre appliquée mécaniquement ne peut pas entièrement le reproduire.

Parce que la direction de l’application fait partie de l’œuvre d’art elle-même, la lumière se reflète différemment sur une peinture originale. Presque comme la prosodie dans le discours, la surface a un rythme, un accent, une douceur, une interruption.

J’observe cela souvent avec mes propres tableaux. Lorsque le soleil ou la lumière du jour traverse une pièce, du matin au soir, les tableaux bougent et changent avec elle.

Leur profondeur n’est jamais fixe.

Leur luminosité n’est jamais tout à fait la même.

De telles délices restent à reproduire par les machines d’impression.

 

La différence de prix

Dans mon article « L’art doit-il être cher ? », j’explique certains des facteurs qui entrent dans la fixation du prix des œuvres originales : coût de la vie, éducation, temps, matériaux, coûts de production et les conditions requises pour qu’un artiste puisse continuer à travailler.

Comme pour tout sur le marché libre, je fais de mon mieux pour trouver un équilibre entre l’abordabilité et la survie.

L’art doit rester possible à créer, surtout face au handicap. Mais il doit aussi rester possible à acquérir.

Il en va de même pour la façon dont je fixe le prix de mes tirages d’art.

Malgré leur qualité maximale, je fais un effort soutenu pour les maintenir aussi abordables que raisonnablement possible. Je souhaite qu’un maximum de personnes trouvent un point d’entrée dans ma pratique. (En savoir plus sur Qu’est-ce qu’un tirage giclée ? un guide sur la qualité des tirages d’art)

L’art doit être partagé, apprécié et vécu.

La plupart des artistes que je connais adoreraient ne pas avoir besoin de nourriture, de loyer, de matériel ou de temps, et simplement partager leur art librement avec tout le monde. Car, tout comme vous, nous sommes aussi des amoureux de l’art – même du nôtre.

Une grande œuvre d’art n’est jamais entièrement assujettie à l’ego de l’artiste. Elle est destinée à être collectivement partagée et célébrée.

Nous créons des moments, ou peut-être plus précisément, des moments sont créés à travers nous. Notre travail est alors d’inviter les autres à partager ce moment.

Pour cette raison, les impressions peuvent être un beau compromis.

Elles soutiennent la pratique de l’artiste, de sorte que plus d’œuvres peuvent être créées. Mais elles donnent aussi au collectionneur une forme de propriété dans ce moment partagé.

Quelque chose à conserver.

Quelque chose avec quoi vivre.

Quelque chose pour susciter une conversation, que ce soit extérieurement avec les autres ou intérieurement avec soi-même.

L’art est fait pour questionner. Que ce soit l’original ou une impression, la question peut rester la même.

 

Lequel choisiriez-vous ?

La réponse n’est peut-être pas aussi évidente qu’il n’y paraît.

Le prix est souvent un facteur majeur, bien sûr. Mais devrait-il être le seul ?

Culturellement, nous sommes arrivés à un point étrange où les artistes sont souvent les derniers à être payés. Nous nous attendons à ce que presque tout le reste exige un effort financier, alors que l’art est toujours traité comme s’il n’était pas essentiel.

Un smartphone peut coûter plus cher que de nombreuses œuvres originales, mais il ne durera que quelques années si nous avons de la chance.

En revanche, une œuvre d’art qui vous touche vraiment peut apporter joie, attention et questionnement pendant des décennies.

Cela ne signifie pas que l’art doit être traité uniquement comme un investissement financier. Je serais prudent avec cette idée. Mais une œuvre d’art peut devenir un investissement à long terme en attention, mémoire, croissance personnelle, croissance esthétique et sentiment de soi.

Un autre facteur que de nombreux nouveaux collectionneurs ne prennent pas immédiatement en compte est que des plans de paiement peuvent souvent être mis en place. Si quelqu’un est vraiment ému par une œuvre d’art spécifique, la plupart des artistes essaieront de trouver un moyen de rendre l’acquisition possible.

Alors, si les valeurs sont alignées et si le fardeau financier peut être allégé, pourquoi acheter une impression ?

Parce que collectionner de l’art est en soi un voyage.

Je suis personnellement aussi fasciné par la création artistique que par sa collection, et par la façon dont les autres collectionnent l’art. C’est une expérience profondément intime et personnelle.

La raison pour laquelle nous ne nous soucions pas de dépenser des milliers pour un téléphone, un sac ou un appareil, mais hésitons à acheter même une petite impression, est que ces autres objets ne remettent souvent pas en question notre identité.

L’art le fait.

Une œuvre d’art dit quelque chose sur l’artiste, mais elle dit aussi quelque chose sur le collectionneur.

C’est l’élévation de « Je porte cette marque » à « Je vis avec cette image parce qu’elle me défie, me réconforte, me trouble ou reflète quelque chose que je ne peux pas tout à fait exprimer. »

L’art est important.

Ce voyage ne doit pas être pris à la légère.

Une œuvre originale peut donc devenir un véritable investissement — pas nécessairement au sens financier, mais dans sa propre croissance personnelle, esthétique, son identité et son sentiment de soi.

Prenez donc votre temps.

Commencez par un tirage si cela vous semble juste. Vivez avec l’image. Observez si elle continue de vous interpeller. Voyez si vous y revenez au fil du temps.

Et lorsque vous serez prêt, investissez dans une œuvre originale.

De cette façon, vous avez moins de chances de regretter votre décision. Au lieu de cela, vous pourriez acquérir quelque chose qui vous apportera des années, peut-être des décennies, voire des générations, d’attention, d’intimité et d’introspection.

À cette fin, j’ai également écrit « Comment commencer à collectionner de l’art original sans se sentir intimidé. »