Est-ce que posséder de l'art a encore de l'importance dans une culture numérique ?

Nous sommes aujourd'hui saturés d'expériences artistiques, des cafés excentriques aux médias sociaux et maintenant même à l'IA, qui promettent toutes de l'art gratuit. Mais tiennent-elles leurs promesses ? Et y a-t-il encore quelque chose de spécial à posséder de l'art ?

J'ai commencé à collectionner l'art dès que j'ai pu m'offrir mon premier tableau original, et à ce jour, j'en suis obsédé. Je possède cette œuvre depuis 10 ans et elle fait toujours partie de ma maison et de mon identité. Elle dit quelque chose de moi et du moment où j'ai pu l'acquérir, mais surtout, je ne m'en suis jamais lassé. Pas une seule fois je n'ai pensé, oh, ça ne me plaît plus, ou que je devrais en prendre un autre, ou même une couleur différente, peut-être ? C'est parce qu'il y a tellement de couches dans cette peinture que je trouve toujours un autre recoin que j'aurais pu manquer, même après 10 ans à la regarder ! Et il en va de même pour toute ma collection.

Une peinture ne peut pas être simplement une fenêtre sur quelque chose, mais plutôt une fenêtre à travers quelqu'un. Je vois quelque chose que l'artiste a vu, de la manière dont il l'a vu, à ce moment-là, ou dans une collection de moments, qui a pu être exprimé de la manière dont il l'a été ou choisi de ne pas l'être.

Par exemple, les peintures à l'huile sont presque vivantes dans leur superposition et la façon dont la lumière traverse ces couches. Je suis entraîné dans une expérience multisensorielle qu'une image plate, ou pire, une image numérique, ne semble pas pouvoir reproduire. Sans parler de la distorsion de la taille. La plupart des gens, et je m'inclus dans ce groupe, ne connaissent pas la taille réelle des chefs-d'œuvre originaux. Ainsi, lorsque vous allez au musée, vous pourriez même être déçu, en réalisant que la « Joconde » ou « La Jeune Fille à la perle » ne sont pas aussi grandes que le marketing aurait pu vous le faire croire. Pire encore, cette distorsion de l'espace est poussée à l'extrême sur les réseaux sociaux. Là, des œuvres réalisées dans de minuscules carnets peuvent paraître monumentales, tandis que d'autres œuvres sont présentées à des échelles qu'elles ne pourraient jamais physiquement supporter.

Une telle distorsion peut sembler sans importance, mais ce que les gens ne comprennent pas, c'est que certains coups de pinceau ne peuvent physiquement pas être réalisés à des tailles plus grandes. Il existe une limite naturelle à notre liberté maximale d'expression artistique. Considérez cela comme la loi des rendements décroissants : plus la toile est grande, plus vous pouvez vous exprimer, jusqu'à un certain point, après quoi cela commence à diminuer.

Je mettrais au défi quiconque de passer de Pinterest ou Instagram à un véritable site web de marchand d'art, de galerie ou d'artiste. Les différences sont frappantes : en qualité, en contraste, en ce qui est vraiment réalisable à une taille donnée, et à quel coût. Cependant, ces distorsions sont maintenant tellement ancrées dans notre sens de la normalité que des gens sont venus me voir lors de foires d'art pour me demander si j'avais « cet original dans une taille plus petite ». Ou une taille plus grande, d'ailleurs, sans réaliser que la taille fait partie intégrante de l'œuvre d'art, tout comme l'œuvre d'art elle-même. Je constate que travailler avec des modèles vivants, avec son temps limité, impose d'énormes restrictions sur ce qui est possible, sur la taille et avec quels matériaux.

En fin de compte, cette expérience même de l'art est ce que les artistes essaient de partager et de vendre, et il devient de plus en plus difficile de le faire, car tout est déformé et mal interprété à travers une lentille numérique qui est : insipide, « agravitationnelle » et dimensionnellement distordue.

Pour atténuer cela, les artistes éditent numériquement leurs œuvres, augmentant le contraste et la saturation, surtout sur les médias sociaux, où la plateforme elle-même vous oblige presque à le faire. Cela fausse davantage toute relation naturelle avec la couleur, la valeur et, finalement, la signification de l'œuvre.

J'ai assisté à des expositions où les artistes vendaient aussi des tirages, et les tirages semblaient "meilleurs" que l'original, parce que le contraste était ajusté et la saturation accentuée, quelque chose que l'on ne peut pas faire en deux clics quand on peint réellement.

Car, pour augmenter ces caractéristiques dans une peinture réelle, il faut franchir des seuils psychologiques entiers. De tels changements deviennent permanents et, par conséquent, de très délibérées réflexions doivent avoir lieu. Si vous en faites trop, c'est simplement excessif, et dans de nombreux cas, vous pourriez aussi bien jeter toute la peinture. La prudence est donc une fonction intrinsèque à toute peinture physique, et cette prudence ajoute à la tension même de la peinture. Cela fait partie du dialogue, pas seulement une caractéristique visuelle pour sur-satisfaire la rétine pendant une milliseconde supplémentaire. C'est une partie de la lutte intérieure de l'artiste, alors que vous essayez désespérément de trouver un équilibre entre toutes ces différentes dimensions.

Tout cela a été réduit à une "comparaison" très linéaire dans le discours en ligne, un discours également surpeuplé par des bots plutôt que par des humains. Et pour couronner le tout, ce discours se déroule en quelques secondes. Jeter un coup d'œil à des œuvres d'art, qui doivent capter votre attention avec un contraste et une saturation élevés, est bien pâle comparé à l'expérience de l'art en personne. Si vous possédez une œuvre d'art, vous ne vous contenterez pas de la survoler, mais elle deviendra un objet d'introspection pour les années à venir. Vous construisez une relation entière avec ses couches, ses angles et ses attitudes. Par conséquent, la profondeur ne peut pas venir d'un coup d'œil, elle doit simplement prendre son temps.

Un temps qui semble avoir entièrement disparu sur les réseaux sociaux, alors que nous nous précipitons d'un reel à l'autre, de plus en plus vite.

Il semblerait, du moins, que nous ayons résolu un problème : la distribution de l'art, mais l'avons-nous fait ? Distribuer de minuscules vignettes est-il la même chose que distribuer de l'art réel ? Je dirais que non.

Surtout, nous ne prêtons pas attention à ce que nous perdons dans le processus : l'expérience de l'art elle-même. Une partie de cette expérience consiste également à rechercher l'art, plutôt que de laisser les algorithmes vous fournir la même chose.

Ainsi, posséder de l'art est important, car une œuvre d'art réelle n'est pas seulement une image, mais une relation physique durable et interactive avec la vision, l'échelle, le travail et la présence d'une autre personne.