原作とファインアート・プリント——私たちは本当は何を買っているのか

原作とファインアート・プリントのどちらを選ぶかは、本来以上に複雑に感じられることがあります。

まず重荷を下ろすために、どちらが優れている、劣っているという話ではないとお伝えしておきます。二つは、ただ大きく異なるのです。

一方には、作家の手によって生まれた唯一の作品が持つ、直接的で物理的な存在があります。もう一方は、丁寧に制作された複製を通して、同じ像、空気、瞬間へ近づく道を開きます。

だから問いは、単に どちらなら買えるのか。

だけではないのかもしれません。より深い問いは、 この作品と、どのような関係を結びたいのか。

です。違いを見ていきましょう。

原作とは何か

Authistical Artで「原作」と呼ぶ時、私は作家自身の手でスタジオにおいて直接制作した、一点ものの絵画またはドローイングを意味しています。

それは、その特定の構成における最初で唯一の版です。制作された瞬間の物理的な判断、ためらい、層、圧力、存在、誠実さを宿します。その性質上、まったく同じ仕方で繰り返すことはできません。

原作は単なる画像ではありません。時間、注意、素材の記録です。

静かで、小さく、控えめな尺度の作品であっても、ある場所で、ある人によって、特定の条件のもと、一度だけ作られたという現実を丸ごと含んでいます。

それは複製できません。

 

ファインアート・プリントとは何か

美術において「プリント」という言葉には、複数の意味があります。

エッチング、リトグラフ、木版、シルクスクリーンのように、版画の工程そのものによって作品を生み出す「版画原作」があります。

ここで私が意味しているのは、それではありません。

Authistical Artのファインアート・プリントは、私の原作絵画やドローイングを保存性の高いジクレー方式で複製したものです。原作に取って代わるためのものでも、同じものを装うものでもありません。原作の空気を可能な限り保ちながら、作品へより近づきやすくする方法です。

ファインアート・プリントを購入する時、人は単に壁を飾る画像を買うのではありません。作家の実践——見るためのレンズ、世界の解釈、美への理解、注意、そして芸術的努力の集積——に加わるのです。

「美術館品質のファインアート・プリント」とは、この複製を制作するために用いられた素材と工程の質を示します。  

すべてのプリントが「美術館品質」と呼べるわけではありません。それ自体が小さな芸術作品だからです。素材には保存性があり、適切に扱えば色を損なわず世代を越えて残ります。そして現在の技術で機械的に可能な限り、原作に近づけられています。

目的は、複製技術の限界の中で、可能な限り原作へ近づくことです。

希少性の違い

原作は、定義上、一点ものです。

しかしそれは、市場における希少性だけの話ではありません。時間そのものに関わることでもあります。

原作は、制作された時点における作家の実践を物理的に記録します。技術的な力、感情の幅、視覚的な関心、さらにはその時代の歴史的空気までを留めることがあります。

もし作家が永遠に一枚だけを描き続けるなら、私たちは本質的な何かを見失うでしょう。

何が、いつその人を動かしたのかが見えません。どの時期にどの問いが属していたのかも、一つの作品群が別の作品群へどう変わったのかも、一つの感情的な気候が次のものへどう移ったのかも分かりません。

一つひとつの原作は、作家の歩みに刻まれた時刻です。それぞれが、ある時点における作家の精神的、霊的、感情的な所在を語ります。

それがなければ、作家は単なる物の生産者になりかねません。技能は残るかもしれませんが、変化、注意、存在のより深い記録——芸術そのもの——が失われます。

対してファインアート複製は、同じ意味では希少ではありません。限定され、署名や番号が入り、丁寧に制作されていても、同じ一回限りの物質的出来事を担うわけではありません。

その価値は別のところにあります。近づけること、分かち合うこと、本来なら一人だけのものになったかもしれない像と、より多くの人が暮らせるようにすることです。

 

物質的な存在の違い

今日の技術的な力については、多くを語る必要があります。

私が好み、自身のファインアート・プリントに唯一用いる方法はジクレー印刷です。顔料インクを、高品質で保存性の高い紙へ非常に精密に施します。原作の色調の深さと繊細さを、美しく再現できます。

しかし、注意が必要です。そして何より、誠実でなければなりません。

編集ツールと印刷技術を使えば、プリントを原作そのものより「良く」見せることは容易です。少しコントラストを増し、ここを鮮明にし、全体の色温度を変える。デジタル画像は瞬く間に改善できます。

けれど、その代償は何でしょうか。

物理的な絵具では決して到達できないほど強調された美術画像に飽和した世界では、複製が原作を凌いでしまう危険が現実にあります。

一見すると違いは微細でも、実物では劇的になり得ます。

コンピューターなら、色調や強度の変化を一回のクリックで行えます。現実の絵画で同じ移行へ至るには、油彩、アクリル、パステル、顔料の技術だけでなく、心理的にも、作家が何年もかけることがあります。

したがって、わずかな編集上の判断が、制作に必要な真正さを断ち切ることがあります。
同時に原作そのものの価値を損ない、より「きれい」ではあっても不正確なものによって、その唯一の歴史的記録を歪めることにもなります。

 
この難題に対し、私は自分と自分の制作に二つの規則を設けています。 

                原作以上に見せるため、画像を過度に編集しない。

                原作より大きなサイズで複製を印刷しない。

こうすることで、技術の限界の中でも、ファインアート・プリントを可能な限り原作に近く保てます。目的は原作を「改善」することではありません。

より多くの人が、作品を間近に、できる限り現実に近い形で経験できるようにすることです。

 

なぜ原作絵画はなお重要なのか

技術の進歩がどれほど驚異的であっても、原作を支持する理由は残ります。

私たちの脳は、たとえ無意識にであれ、奥行きを知覚します。プリントは現時点では平らな表面です。対して原作絵画は、自らの表面を越えることがあります。

グレーズ、層の重なり、重複、質感には、複製が完全には届かない仕方で私たちを刺激し、動かす何かがあります。

高い変動性と人間の判断を伴いながら、顔料が有機的に表面へ置かれることが、作品を生きたものにします。機械的に均一に施されるインクでは、完全に再現できません。

絵具を置く方向そのものが作品の一部であるため、光は原作絵画から異なる仕方で反射します。話し言葉の韻律のように、表面にはリズム、強調、柔らかさ、中断があります。

私は自分の絵で、これをよく観察します。朝から夕方へ、太陽や昼光が部屋を移動すると、絵もともに動き、変化します。

その奥行きは、決して固定されません。

その光は、決して完全に同じではありません。

この喜びは、まだ印刷機によって再現されていません。

 

価格の違い

「Should Art Be Expensive?」という記事で、私は原作の価格を形づくる要素の一部を説明しています。生活費、教育、時間、素材、制作費、そして作家が仕事を続けるために必要な条件です。

自由市場のあらゆるものと同じく、私は手に取りやすさと生存のあいだに、できる限り均衡を探します。

とりわけ障害があるなかでも、芸術は作り続けられるものでなければなりません。同時に、迎え入れられるものである必要もあります。

ファインアート・プリントの価格についても同じです。

最大限の品質を保ちながら、合理的に可能な限り手に取りやすい価格にする努力を続けています。できるだけ多くの人に、私の制作へ入る入口を見つけてほしいからです。詳しくは ジクレー・プリントとは何か——ファインアート・プリントの品質ガイドをご覧ください。

芸術は分かち合われ、楽しまれ、ともに暮らされるべきです。

私の知る多くの作家は、食費も家賃も素材も時間も必要とせず、ただ作品をすべての人と自由に分かち合えたなら、と願うでしょう。あなたと同じように、私たちも芸術を愛しているからです。自分自身の作品さえも。

優れた作品が、作家の自我だけに完全に属することはありません。共同で分かち合い、祝われるためにあります。

私たちが瞬間をつくる。あるいは、より正確には、瞬間が 私たちを通して生まれる。その後の仕事は、ほかの人々をその瞬間へ招くことです。

この意味で、プリントは美しい中間の道になり得ます。

作家の制作を支え、さらに作品が生まれることを可能にする。同時に、コレクターにも、その分かち合われた瞬間を所有する一つの形を与えます。

手元に留められる何か。

ともに暮らせる何か。

他者との外的な対話であれ、自分自身との内的な対話であれ、会話を始める何か。

芸術は問いかけるためにあります。原作でもプリントでも、問いは同じままかもしれません。

 

どちらを選ぶべきか

答えは、見た目ほど明白ではないかもしれません。

もちろん価格は大きな要因です。しかし、それだけでよいのでしょうか。

文化的に、私たちは奇妙な場所へ到達しました。作家はしばしば、最後まで支払われない人です。ほとんどすべてのものには経済的な負担が必要だと受け入れる一方、芸術はいまだ不可欠ではないもののように扱われます。

スマートフォンは多くの原作より高価になり得ますが、運が良くても数年しか持たないかもしれません。

それに対し、真にあなたへ届く作品は、何十年にもわたり、喜び、注意、問いをもたらし得ます。

だからといって、芸術を金銭的投資としてだけ扱うべきではありません。その考えには慎重であるべきです。しかし作品は、注意、記憶、個人的成長、美的成長、自己感覚への長期的な投資になり得ます。

新しいコレクターがすぐには考えないもう一つの要素は、分割払いを相談できることが多いという点です。特定の作品に心から動かされた人がいれば、多くの作家は、その作品を迎える方法を見つけようとします。

価値観が一致し、経済的負担を和らげられるなら、なぜプリントを買うのでしょうか。

芸術を集めること自体が、旅だからです。

私は、芸術をつくることと同じほど、集めること、そしてほかの人がどのように集めるかを見ることに魅了されています。それは極めて親密で個人的な経験です。

電話、鞄、機器に何千もの金額を使うことは気にならないのに、小さなプリントを買う時にはためらう。その理由は、そうしたほかの物が、私たちのアイデンティティへ問いを投げかけないことが多いからです。

芸術は問いかけます。

作品は作家について何かを語りますが、コレクターについても何かを語ります。

それは「このブランドを身につける」から、「この像が私に挑み、慰め、不安にし、あるいは言葉にできない何かを映すから、ともに暮らす」への移行です。

芸術は重要です。

その旅を軽く扱うべきではありません。

したがって原作は、真の投資になり得ます。必ずしも金銭的な意味ではなく、自分自身の個人的成長、美的成長、アイデンティティ、自己感覚への投資です。

だから、時間をかけてください。

それが自然に感じられるなら、まずプリントから始めてください。その像と暮らし、なお何かを問いかけ続けるかを見てください。時間が経っても、自分がそこへ戻るかを確かめてください。

そして準備ができた時、原作へ投資してください。

そうすれば、決断を後悔する可能性は低くなります。代わりに、何年、何十年、あるいは世代を越えて、注意、親密さ、内省を与える何かを得るかもしれません。

この目的のために、私は「気後れせずに原作を集め始めるには.」も書きました。