批評論考
冷たく供される正義——処罰が「正義」に身体を与えるという神話
もし正義が現実の力ではなく、痛みに形を与えるための人間の虚構だとしたら。本稿は、死刑、処罰、悲嘆、そして法が宇宙的な修復になり得るという危険な信念を考察します。
冷たく供される正義——処罰が「正義」に身体を与えるという神話
もし正義が現実の力ではなく、痛みに形を与えるための人間の虚構だとしたら。本稿は、死刑、処罰、悲嘆、そして法が宇宙的な修復になり得るという危険な信念を考察します。
デジタル文化の時代に、芸術を所有することにはまだ意味があるのか
私たちはいま、風変わりなカフェからソーシャルメディア、そしてAIに至るまで、芸術に似た体験に飽和しています。そのすべてが、無料で芸術を与えると約束する。けれど、本当にそれを届けているのでしょうか。そして芸術を所有することには、なお特別な何かがあるのでしょうか。 私は、最初の原作を買えるようになった時から芸術を集め始め、いまも夢中です。この作品を所有して10年になりますが、なお私の家とアイデンティティの一部です。それは私自身について、そしてそれを買えるようになった当時について何かを語ります。しかし何より、私は一度も飽きたことがありません。もう自分には響かない、別の作品や、せめて別の色がいい、と思ったことすらありません。この絵には幾重もの層があり、10年間見続けても、見落としていた隅や裂け目をいつも新たに見つけられるからです。私のコレクション全体についても同じことが言えます。 絵画は単に何かを覗く窓ではなく、むしろ 誰かを通して 見る窓です。 私は、ある瞬間、あるいは積み重なった複数の瞬間に作家が見たものを、その人が見た仕方で見ています。表されたものも、あえて表されなかったものも含めて。 たとえば油彩画は、層の重なりと、その層を光が通り抜ける仕方によって、ほとんど生きているようです。平面的な画像、ましてデジタル画像には再現できない、多感覚的な経験へと引き込まれます。大きさの歪みもあります。私を含め、多くの人は名作の実際の寸法を知りません。そのため美術館で、「モナ・リザ」や「真珠の耳飾りの少女」が宣伝から想像したほど大きくないと知り、落胆することさえあります。ソーシャルメディアでは、この空間の歪みがさらに極端になります。小さなノートに描かれた作品が記念碑的に見えたり、物理的には成立し得ない尺度で作品が提示されたりします。 この歪みは重要でないように思えるかもしれません。しかし、ある種の筆触は大きな画面では物理的に成立しないことが理解されていません。芸術表現の自由にも自然な上限があります。限界効用逓減の法則のようなものです。キャンバスが大きくなるほど表現できることは増えますが、ある点を越えると、むしろ減り始めます。 PinterestやInstagramから、実際の美術販売サイト、ギャラリー、作家自身のウェブサイトへ移って見比べてみてください。品質、コントラスト、ある大きさで本当に可能なこと、そして費用の違いは明白です。ところが、こうした歪みは私たちの「普通」の感覚に深く入り込み、アートフェアでは「あの原作の小さい版はありますか」と尋ねられることさえあります。逆に、もっと大きい版を求められることもあります。大きさが作品そのものと同じほど不可分な要素であることが、見落とされているのです。限られた時間で生身のモデルから制作することは、どの大きさで、どの素材を用いて、何が可能かに非常に強い制約を課します。 結局のところ、作家が共有し、販売しようとしているのは、この芸術体験そのものです。しかし、すべてが味気なく、重力を失い、寸法を歪めるデジタルのレンズを通して変形され、誤訳されるなか、それを伝えることはますます困難になっています。 それを補うため、作家は作品画像をデジタル編集し、コントラストや彩度を高めます。とりわけソーシャルメディアでは、プラットフォームそのものがそれを要求するかのようです。その結果、色、明度、そして最終的には作品の意味との自然な関係がさらに歪みます。 作家がプリントも販売する展覧会で、プリントの方が原作より「良く」見えることがありました。コントラストが調整され、彩度が強められていたからです。実際に絵を描く時には、二回クリックするだけでできることではありません。 現実の絵画でそれらを強めるには、心理的な境界をいくつも越えなければなりません。変更は恒久的なので、慎重に考える必要があります。やり過ぎれば、ただやり過ぎた絵になり、多くの場合、作品全体を捨ててもよいほどになります。したがって慎重さは、物理的な絵画に組み込まれた機能です。その慎重さが、絵画そのものの緊張を生みます。それは対話の一部であり、網膜を一瞬余計に満足させるための視覚的な特徴にすぎないものではありません。異なる次元のあいだに必死で均衡を探す、作家の内的葛藤そのものの一部なのです。 ところがオンラインの言説では、これらすべてが極めて直線的な「比較」へ還元され、しかも人間よりボットで混み合っています。さらに、その言説は数秒のうちに起きます。強いコントラストと彩度で注意を奪わなければならない作品を流し見することは、実物の芸術を経験することに遠く及びません。作品を所有すれば、ただ一瞥して通り過ぎるのではなく、何年にもわたる内省の対象になります。その層、角度、態度との関係を築いていく。深さは一目では生まれません。時間をかけるほかないのです。 しかしソーシャルメディアでは、その時間が完全に尽きてしまったかのようです。私たちは次のリールへ、さらに速く移り続けます。 少なくとも一つの問題——芸術の流通——は解決したように見えます。しかし本当にそうでしょうか。小さなサムネイルを配ることは、実在する芸術を届けることと同じでしょうか。私はそうは思いません。 そして何より、その過程で何を失っているのかに、私たちは注意を払っていません。失われるのは芸術を経験することそのものです。その経験には、アルゴリズムから同じようなものを与えられるのではなく、自ら芸術を探すことも含まれます。 だからこそ芸術を所有することには意味があります。実在する作品は単なる画像ではなく、別の人間の見方、尺度、労働、存在と、持続的かつ相互的に関わる物理的な関係だからです。
デジタル文化の時代に、芸術を所有することにはまだ意味があるのか
私たちはいま、風変わりなカフェからソーシャルメディア、そしてAIに至るまで、芸術に似た体験に飽和しています。そのすべてが、無料で芸術を与えると約束する。けれど、本当にそれを届けているのでしょうか。そして芸術を所有することには、なお特別な何かがあるのでしょうか。 私は、最初の原作を買えるようになった時から芸術を集め始め、いまも夢中です。この作品を所有して10年になりますが、なお私の家とアイデンティティの一部です。それは私自身について、そしてそれを買えるようになった当時について何かを語ります。しかし何より、私は一度も飽きたことがありません。もう自分には響かない、別の作品や、せめて別の色がいい、と思ったことすらありません。この絵には幾重もの層があり、10年間見続けても、見落としていた隅や裂け目をいつも新たに見つけられるからです。私のコレクション全体についても同じことが言えます。 絵画は単に何かを覗く窓ではなく、むしろ 誰かを通して 見る窓です。 私は、ある瞬間、あるいは積み重なった複数の瞬間に作家が見たものを、その人が見た仕方で見ています。表されたものも、あえて表されなかったものも含めて。 たとえば油彩画は、層の重なりと、その層を光が通り抜ける仕方によって、ほとんど生きているようです。平面的な画像、ましてデジタル画像には再現できない、多感覚的な経験へと引き込まれます。大きさの歪みもあります。私を含め、多くの人は名作の実際の寸法を知りません。そのため美術館で、「モナ・リザ」や「真珠の耳飾りの少女」が宣伝から想像したほど大きくないと知り、落胆することさえあります。ソーシャルメディアでは、この空間の歪みがさらに極端になります。小さなノートに描かれた作品が記念碑的に見えたり、物理的には成立し得ない尺度で作品が提示されたりします。 この歪みは重要でないように思えるかもしれません。しかし、ある種の筆触は大きな画面では物理的に成立しないことが理解されていません。芸術表現の自由にも自然な上限があります。限界効用逓減の法則のようなものです。キャンバスが大きくなるほど表現できることは増えますが、ある点を越えると、むしろ減り始めます。 PinterestやInstagramから、実際の美術販売サイト、ギャラリー、作家自身のウェブサイトへ移って見比べてみてください。品質、コントラスト、ある大きさで本当に可能なこと、そして費用の違いは明白です。ところが、こうした歪みは私たちの「普通」の感覚に深く入り込み、アートフェアでは「あの原作の小さい版はありますか」と尋ねられることさえあります。逆に、もっと大きい版を求められることもあります。大きさが作品そのものと同じほど不可分な要素であることが、見落とされているのです。限られた時間で生身のモデルから制作することは、どの大きさで、どの素材を用いて、何が可能かに非常に強い制約を課します。 結局のところ、作家が共有し、販売しようとしているのは、この芸術体験そのものです。しかし、すべてが味気なく、重力を失い、寸法を歪めるデジタルのレンズを通して変形され、誤訳されるなか、それを伝えることはますます困難になっています。 それを補うため、作家は作品画像をデジタル編集し、コントラストや彩度を高めます。とりわけソーシャルメディアでは、プラットフォームそのものがそれを要求するかのようです。その結果、色、明度、そして最終的には作品の意味との自然な関係がさらに歪みます。 作家がプリントも販売する展覧会で、プリントの方が原作より「良く」見えることがありました。コントラストが調整され、彩度が強められていたからです。実際に絵を描く時には、二回クリックするだけでできることではありません。 現実の絵画でそれらを強めるには、心理的な境界をいくつも越えなければなりません。変更は恒久的なので、慎重に考える必要があります。やり過ぎれば、ただやり過ぎた絵になり、多くの場合、作品全体を捨ててもよいほどになります。したがって慎重さは、物理的な絵画に組み込まれた機能です。その慎重さが、絵画そのものの緊張を生みます。それは対話の一部であり、網膜を一瞬余計に満足させるための視覚的な特徴にすぎないものではありません。異なる次元のあいだに必死で均衡を探す、作家の内的葛藤そのものの一部なのです。 ところがオンラインの言説では、これらすべてが極めて直線的な「比較」へ還元され、しかも人間よりボットで混み合っています。さらに、その言説は数秒のうちに起きます。強いコントラストと彩度で注意を奪わなければならない作品を流し見することは、実物の芸術を経験することに遠く及びません。作品を所有すれば、ただ一瞥して通り過ぎるのではなく、何年にもわたる内省の対象になります。その層、角度、態度との関係を築いていく。深さは一目では生まれません。時間をかけるほかないのです。 しかしソーシャルメディアでは、その時間が完全に尽きてしまったかのようです。私たちは次のリールへ、さらに速く移り続けます。 少なくとも一つの問題——芸術の流通——は解決したように見えます。しかし本当にそうでしょうか。小さなサムネイルを配ることは、実在する芸術を届けることと同じでしょうか。私はそうは思いません。 そして何より、その過程で何を失っているのかに、私たちは注意を払っていません。失われるのは芸術を経験することそのものです。その経験には、アルゴリズムから同じようなものを与えられるのではなく、自ら芸術を探すことも含まれます。 だからこそ芸術を所有することには意味があります。実在する作品は単なる画像ではなく、別の人間の見方、尺度、労働、存在と、持続的かつ相互的に関わる物理的な関係だからです。